PHILHARMONICA. International Music Journal - рубрика История и теория исполнительского искусства

Аннотация: В фокусе внимания данного исследования — личность Антонино Паскулли, известнейшего итальянского гобоиста-виртуоза и композитора второй половины XIX — начала XX столетия, чьё имя долгое время незаслуженно находилось в забвении. В последние два-три десятилетия его наследие переживает в музыкальном мире второе «рождение». Сочинения Паскулли входят сегодня в концертный репертуар гобоистов всего мира. Несмотря на исполнительскую популярность, личность и творчество выдающегося итальянского мастера до сих пор находятся на периферии исследовательского внимания отечественных музыковедов. Вся ценная информация сосредоточена в немногочисленных зарубежных исследованиях. Исходя из этого, цель статьи — реконструировать творческий портрет Антонино Паскулли, вписанный в контекст времени. Впервые в отечественном музыкознании вводятся в научный обиход данные из зарубежных источников, раскрывающие особенности творческой биографии Паскулли. На основании анализа отобранного материала делаются выводы о необходимости пересмотреть значение деятельности и наследия Антонино Паскулли в контексте европейской музыкальной культуры XIX века. Предполагается, что ознакомление с неизвестными русскоязычной аудитории сведениями об итальянском музыканте позволит глубже проникнуть не только в специфику произведений Паскулли, но и по-новому осмыслить его место и роль в эволюции исполнительства на деревянных духовых инструментах.

DOI: 10.7256/2453-613X.2022.4.38622

Аннотация: Статья посвящена применению новых технологий цифровой эпохи в современной опере. Анализируется феномен кибернарратива, который создает особые формы представления условного сюжета в оперном театре, или репрезентации основной идеи. В качестве особой формы кибернарратива предлагается анализ инструментария и основополагающих идей Оперы Мозга американского композитора и изобретателя Тода Маховера. Это экспериментальное сочинение сочетает в себе как концептуальные идеи постижения основ человеческого мышления и попытки представить мозговые импульсы в качестве музыкального материала, составляющего стохастическую вариабельную композицию оперы. Особое внимание уделяется интерактивности, в рамках которой, слушатель предварительно общается с различными интерфейсами – электронными игрушками, которые позволяют ему развивать его творческую энергию и увидеть ее в качестве элемента композиции в Опере Мозга. Выводом из проведенного исследования становится то, что идея кибернарратива стала основополагающей для проекта, получившего кибернарративное представление. Трактат известного ученого –когнитивиста Марвина Минского «Сообщество разума» и стихия творческой энергии реципиента – посетителя звуковой инсталляции, служат основами повествования, в то время как сам сюжет либретто – условный и он едва ли прочитывается сквозь путешествие по так называемым «дебрям разума». Современная опера использует кибернарратив как систему коммуникации, в поле которой включаются все новейшие технологии. При этом, размывается содержание оперы, которое оказывается вариативным. В этом есть как положительные, так и отрицательные стороны: вовлеченность публики в творческий процесс, который всячески поощряет в своей концепции Оперы Мозга Тод Маховер, помогает преодолеть пассивное восприятие, однако, композиция перестает быть законченной формой и превращается в открытое произведение – work in progress.

DOI: 10.7256/2453-613X.2021.2.35117

Аннотация: Данная статья, разрабатывающая комплексный подход к классификации инструментальных ансамблей с домрой, ставит целью выявление принципов, с позиции которых возможно построение различных моделей таких объектов. Анализ аспектов бытования исследуемого явления предлагается проводить по различным основаниям: как непосредственно коллективы музыкантов, так и с точки зрения музыкальных произведений, создаваемых для таких коллективов. В качестве примеров в статье рассматриваются и сопоставляются модели концертных составов по числу участников и инструментальному наполнению, а также по жанрово-стилевым особенностям репертуара инструментальных ансамблей с домрой и их сотрудничеству с композиторами. Данный метод классификации позволяет системно охватить творчество большого количества музыкантов, как ансамблистов, так и композиторов. Моделируя различные системы построения методов классификации инструментальных ансамблей с домрой, можно с разных сторон и наиболее полно изучить особенности бытования данных коллективов в современной музыкальной культуре. Автор приходит к выводу, что в настоящее время на концертных площадках страны представлен широкий диапазон ансамблей различных в своем инструментальном наполнении и количественном содержании. Разнообразие жанрово-стилевых моделей таких коллективов отражено и в их репертуаре – от фольклорной направленности, классики и современных композиторских школ до джаза, рока, эстрады и шоу.

DOI: 10.7256/2453-613X.2022.6.39508

Аннотация: Стремительное возрождение в России музыки эпохи барокко предъявляет к певцам все более высокие требования в отношении исторически обоснованного стиля исполнения. Это проявляется не только в содержании вокально-технического оснащения (подразумевая наличие гибкости, эластичности голосового аппарата, владение широкой кантиленой и легкой колоратурной беглостью), но и в необходимости формирования собственного креативного подхода в создании оригинальной версии, включающей орнаментацию и импровизацию в каденции, повторяющихся частях арий da capo. Предлагаемая статья направлена на решение актуальных проблем в области барочного исполнительства, связанных с вокальной орнаментацией и импровизацией. Методология исследования базируется на историческом подходе, включающем как диахронический аспект, направленный на выявление динамики в эволюции изучаемого явления от XVI до XVIII века, так и синхронический, благодаря которому рассматриваются различные виды украшений, особенности импровизации в исполнительстве в эпоху барокко, как важнейшие элементы стиля. Автор делает выводы о значении орнаментики в музыке эпохи барокко. Материал статьи и выводы будут полезны музыкантам, певцам, исполняющим старинную музыку, для стилистически верной ее интерпретации, а также в учебных курсах истории вокального исполнительства и стилистики на исполнительских отделениях музыкальных колледжах и факультетах вузов.

DOI: 10.7256/2453-613X.2023.2.40717

Аннотация: Статья посвящена истории исполнительства на редком инструменте Волны Мартено. Его история создания, репертуар и исполнительские возможности еще не становились предметом отдельного исследования, в то время как в Парижской консерватории до настоящего времени существует класс Волн Мартено, а репертуар периодически пополняется. В связи с этими фактами, освещение особенностей музыкального инструмента представляется весьма актуальной темой. Для анализа основным материалом послужили произведения, специально написанные для Волн Мартено, по которым можно определить специфику той или иной версии инструмента, определившей его технические возможности, а также различные интервью исполнителей на Волнах Мартено. Выводом из исследования становится открытие новых возможностей обогащения тембра благодаря сложившемуся репертуару и кругу исполнителей на инструменте, а также особый стилистический плюрализм и звукоизобразительные возможности, определившие специфику инструмента и одновременно его концертную и кинематографическую судьбу, где он широко применяется как в академической, киномузыке, так и в рок-группах. Научная новизна заключается в том, что это первое исследование о Волнах Мартено на русском языке, в котором анализируется репертуар, созданный специально для этого нового и оригинального инструмента, эволюция конструкции инструмента и технических возможностей, где материалом для анализа служат произведения для инструмента разных лет, отражающие процесс трансформации шаг за шагом. Впервые в отечественном музыковедении описаны исполнители, специализирующиеся на Волнах Мартено, а также процесс обучение игре на инструменте, специфичность техники и преемственность исполнительских традиций. В этом контексте в статье выделяются три поколения исполнителей, ведущих свое начало от создателя инструмента Мориса Мартено к современным молодым исполнителям, таким как: Томас Блох, Кристин Отт и другие.

DOI: 10.7256/2453-613X.2022.1.37538

Аннотация: Автором статьи сделана попытка новаторски взглянуть на проблему взаимодействия поэзии и музыки в синтетическом целом: хоровом сочинении а cappella. Объектом исследования становится историософская поэзия Ф.И. Тютчева: поэтический текст стихотворения "Альпы", воплощенный в хоровых сочинениях a cappella. Предмет исследования – особенности взаимодействия поэтического и музыкального текстов в создании образной системы хоров a cappella, созданных композиторами XIX - XXI века на историософское стихотворение Ф.Тютчева. Цель исследования – изучение путей анализа логоса и мелоса текстов, выявление специфики их взаимодействия в хоровых сочинениях a cappella на стихотворение "Альпы" Ф.Тютчева. В статье рассматривается в данном ключе вопрос интерпретации историософской поэзии Ф.И. Тютчева (на примере стихотворения «Альпы») в хоровых сочинениях, созданных композиторами разных школ: П.Г. Чесноковым, С.И. Танеевым, М.В. Ковалем. Показан путь аналитической мысли: от проникновения в поэтический первоисточник, являющийся лишь на первый взгляд лирикой пейзажной, но представляющий отдельный пласт историософских стихотворений поэта; к характеру взаимодействия логоса и мелоса в хоровых сочинениях a cappella композиторов разных школ на уровне восприятия композитором образной материи, на уровне восприятия метрики и ритмики стиха, на уровне трансформации образной материи (тема, идея), на высшем уровне (медитативный помысел). Анализ взаимодействия музыкального и поэтического текстов позволяет дирижеру учесть особенности композиторского прочтения стихотворения при трактовке хоровых произведений. До настоящего времени подобный путь анализа хоровых сочинений не применялся

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.3.21213

Аннотация: Страницы отечественной музыкальной культуры, связанные с предпосылками сольного исполнительства на домрах, первыми исполнителями и их репертуаром остаются неизвестными. В тени по-прежнему находятся биографии первых выдающихся домристов – П. П. Каркина, В. В. Кацана и других, деятельность которых нуждается в осмыслении и оценке. Данное обстоятельство обусловлено прежде всего тем, что на протяжении первых лет после реконструкции домра функционировала преимущественно в качестве оркестрового инструмента и редко выдвигалась на первый план. Автором были изучены разнообразные архивные материалы, проанализированы публикации различного характера. В процессе подготовки материала использовались искусствоведческий подход и сравнительно-исторический метод, а также формы архивной работы. В статье представлены первые попытки сольного исполнительства на домрах, даты первых выступлений домристов, основные художественные тенденции – опора на переложения популярной классики и тяготение к произведениям кантиленного характера. Отмечено преобладание ансамблевых форм домрового исполнительства – дуэтов, трио, квартетов. Выяснены и уточнены даты жизни и деятельности первого исполнителя на домре альт П. П. Каркина, некоторые детали биографий первых домристов П. И. Алексеева, В. В. Кацана, их репертуар, даты первых сольных выступлений домристов.

DOI: 10.7256/2453-613X.2018.3.27543

Аннотация: Объектом исследования в настоящей статье является литературное (эпистолярное) наследие великого русского композитора Сергея Рахманинова. Рассматривается ряд его литературных работ с целью осмысления интерпретации самим композитором его же музыкальных сочинений, ведь известно, что Рахманинов славился авторским исполнением. В качестве материала исследования избраны статьи композитора и пианиста: "Композитор как интерпретатор", "Сергей Рахманинов - один из выдающихся современных композиторов - говорит о России и об Америке", "Интерпретация зависит от таланта и индивидуальности", "Новое о пианизме". В статье использован аналитический подход к изучаемому материалу, способствующий большему пониманию и более полному погружению в литературное наследие Рахманинова. Новизна представленной работы заключается в том, что данная проблема не поднималась в музыковедение в качестве отдельного объекта исследования. Действительно, многое у Рахманинова связано с собственным музыкальным опытом, с произведениями, исполнительскими аспектами, что позволяет более полно раскрыть творческие принципы композитора-исполнителя.

DOI: 10.7256/2453-613X.2021.3.34646

Аннотация: В статье рассматривается Концерт для скрипки с оркестром А. Аренского, который представляет камерную лирическую модель жанра одночастной структуры. Цель работы заключается в поиске необходимых для успешной интерпретации произведения исполнительских особенностей партии скрипки. . Объект исследования – жанр скрипичного концерта. Предмет исследования – исполнительские особенности партии солиста Концерта для скрипки с оркестром А. Аренского. В процессе исследования были привлечены теоретические и эмпирические методы исследования, в том числе анализ, обобщение и систематизация научных источников, целостный и исполнительский анализ Концерта для скрипки с оркестром А. Аренского. Проанализированы функции солиста в разных темах и эпизодах произведения, даны методические указания по поводу смены и распределения смычка, скорости движения смычка, выявлены технические и интонационные сложности партии скрипки. Также большое внимание уделяется штриховой стороне исполнения. Впервые выявлено, что исполнительские достоинства партии солиста являются одним из «ключей» к успешному исполнению произведения. Они заключаются в создании певучего, ровного, пластичного звучания, достигаемого грамотным распределением смычка, его спокойными сменами, хорошим владением legato, выстраиванием фраз широкого дыхания. Исполнителю необходимо опираться на исполнительские идеалы времени создания произведения, которые во многом заключаются в педагогических установках Л. Ауэра, касающихся нужного нажима предплечья и плеча на смычок. В результате исполнительского анализа партии скрипки установлено, что для создания художественного образа сочинения исполнителю необходимо найти индивидуальную палитру колористического решения партии скрипки, основанную на исполнительских идеалах времени создания произведения.

DOI: 10.7256/2453-613X.2021.5.36819

Аннотация: В данной статье в качестве предмета исследования рассматриваются теоретико-методологические основания музыкального образования, представленные в виде классической 4-х уровневой структуры (разработанной в системном подходе Э. Г. Юдиным), состоящей из: 1) философского; 2) общенаучного; 3) специально-научного; 4) методического уровня. Исходя из тезиса о слабости связи теории и практики в музыкальном образовании, во второй части работы коротко раскрывается содержание первых трех уровней структуры теоретико-методологических оснований, наиболее, как представляется, оторванных от практики. Основное внимание уделяется двум аспектам: 1. целям и потенциалам рассматриваемого уровня; 2. проблемам, возникающим на каждом из уровней. Основные выводы проведенного исследования состоят в следующем: 1) философский уровень теоретико-методологических оснований музыкального образования, будучи наиболее общим, а потому направляющим, необходим практике подготовки будущих музыкантов для формирования ценностной, духовно-нравственной и эстетической составляющей обучения; 2) общенаучный уровень позволяет систематизировать философские положения и концепции в ясные подходы и принципы, которые могут быть привнесены в педагогическую практику как модели целостного построения учебных процессов; 3) уровень специально-научных дисциплин, будучи наиболее разработанным в следствие близкого контакта с практическими вопросами и проблемами, раскрывается в аспектах содержания обучения (музыковедение), методики преподавания (педагогика) и предмета/инструмента изучения (исполнительское искусство).

DOI: 10.7256/2453-613X.2017.4.25177

Аннотация: В данной статье повествуется о педагогической деятельности Мануэля Патрисио Родригеса Гарсиа, анализируется и обосновывается разница между вариантами издания труда «Полный трактат об искусстве пения» 1840-1847 гг. и 1856 г., которые на протяжении долгого времени вызывали вопросы у певцов и вокальных педагогов. Несмотря на то, что труд «Полный трактат об искусстве пения» был неоднократно изложен на русском языке, по настоящее время не стихают споры о его принципах и даже обсуждаются в СМИ. Теоретико-методологической основой данного исследования послужили: анализ музыкально-педагогических проблем, культурно-исторический анализ, сравнительный анализ. В данной статье проясняется вопрос о рекомендации автора об использовании различных типов дыхания в трактате 1840-1847 гг. и 1856 г. В середине XIX века вокальная педагогика развивалась сообразно исполнительской практике эпохи романтизма, новым эстетическим установкам, именно поэтому автор трактата Мануэль Гарсиа-младший усовершенствовал свой труд и рекомендовал певцам использовать грудо-диафрагматическое дыхание, вместо малого (ключичного).

DOI: 10.7256/2453-613X.2022.4.38407

Аннотация: Объектом исследования становится фортепианное творчество известного китайского композитора, педагога Ду Миньсиня (род. 1928). Жанровый состав его фортепианного творчества разнообразен – включает миниатюры, сюитные циклы, концерты, фантазии, токкаты. Отдельное место занимают фортепианные транскрипции, созданные композитором на материале его же балетов – «Красный женский отряд», «Русалка». Предмет исследования – фортепианная сюита по балету «Русалка», являющаяся репертуарным сочинением в концертной и педагогической практике Китая. Цель работы – выявление стилистических и необходимых для успешной интерпретации произведения исполнительских особенностей произведения. В процессе подготовки материала были привлечены теоретические и эмпирические методы исследования, в том числе анализ, обобщение и систематизация научных источников, стилистический и исполнительский анализ сюиты "Русалка" Ду Миньсиня. В результате подробного рассмотрения ряда пьес выявляются особенности образного строя, формообразования, интонационности, гармонического языка, фактуры. Отдельное внимание уделяется исполнительским задачам, которые необходимо решить пианисту при обращении к данному сочинению. В частности, автор касается вопросов штриховой техники, педализации, темповой и динамической драматургии, раскрытия и использования тембро-колористических возможностей фортепиано. Особое значение при исполнении сочинения приобретает оркестральность звучания фортепиано. Делается вывод о важности предварительного анализа оркестровой партитуры при исполнении фортепианной транскрипции балетной музыки. В отечественной исследовательской литературе сюита по балету Ду Миньсиня «Русалка» подробно рассматривается впервые.

DOI: 10.7256/2453-613X.2019.6.30984

Аннотация: Предметом исследования является одна из первых изданных школ по обучению игре на барабане, которое прежде переходило от одного поколения исполнителей к другому изустно. Именно поэтому первые методические книги являются особенно ценными. В статье представлен не только перевод с немецкого языка трактата «Краткое руководство по игре на барабане для изучения простейшим способом наряду с семью пьесами и маршами, записанными нотами, с пояснениями музыканта (Издание вдовы Людвига Винтера, Берлин, 1777 год), но и комментарии к нему с точки зрения современного исполнителя. В нем детально описываются технические и стилистические приемы игры Западной Европы середины XVIII века. Этот трактат может быть интересен практикующим музыкантам и «всем любителям барабанов». Метод данного исследования лежит на пересечении филологических, культурных и педагогических изысканий. Поиск аналогий в современных традициях различных культур, а также приведение к общему знаменателю теоретической и практической частей исследования. Основными выводами проведенного исследования является возможность заимствования основ и приемов обучения полкового барабанщика середины XVIII века в современных реалиях. Основной вклад автора статьи связан не только с первым литературным переводом издания на русский язык, но и обобщение полученных сведений применительно к современному исполнителю-практику и педагогу. Новизна исследования заключается в возможности ознакомления современного исполнителя с основами обучения спустя почти два с половиной века. Данная статья заполняет существующий пробел в истории отечественного исполнительского искусства.

DOI: 10.7256/2453-613X.2021.3.35753

Аннотация: Предметом исследования, отраженного в данной научной статье, является современная камерно-инструментальная музыка конца ХХ–начала ХХІ века в контексте новейших исполнительско-выразительных средств и приемов игры на саксофоне, как уникального духового и сложного для интерпретации инструмента. Широкий музыкально-выразительный спектр современной музыки с участием саксофона дает возможность оценить на практике глубину философско-образных концепций, которые воплощают современные композиторы. В этой связи в статье рассматривается особенности рекомендованных приемов игры на саксофоне, которые были выявлены и исследованы в творческой деятельности Ю. Л. Поволоцкого. Выразительная темброво-звуковая палитра привлекает современного композитора, как с целью эксперимента, так и с попыткой собрать широкую гамму художественно-философских обобщений целой эпохи. Этот взаимообусловленный процесс — с одной стороны, темброво-звуковой эксперимент, а с другой — обусловленное им постоянное расширение исполнительско-выразительных средств саксофона в лоне камерно-инструментальной культуры — побудил автора исследования к научной аналитике на примере камерно-инструментального творчества современных композиторов. Кроме того, научно-историческую ценность представляют дающиеся в статье сведения о творческих поисках Ю. Л. Поволоцкого: привлечение неожиданных решений, композиционных структур, новейших способов и приемов игры на саксофоне.

DOI: 10.7256/2453-613X.2021.5.35666

Аннотация: Отечественная школа фортепианного исполнительства на протяжении нескольких столетий завоёвывала мировое признание. Имена С.В. Рахманинова, С.Т. Рихтера, К.Н. Игумнова, А.Б. Гольденвейзера и других выдающихся пианистов золотыми буквами вписаны в историю мировой фортепианной музыки и педагогики. Вместе с тем, незаслуженно забытой остаётся такая сфера деятельности как концертмейстерство. В статье будет предпринята попытка оценки роли перечисленных пианистов в становлении концертмейстерского искусства. На основе анализа опыта сценической и педагогической работы пианистов будет выявлено значение их творческой деятельности для последующего развития отечественной концертмейстерской школы. Вклад отечественных пианистов в становление и развитие концертмейстерского искусства не подвергался критическому осмыслению и комплексному анализу. Однако история фортепианной музыки богата примерами того, что концертирующие пианисты часто выступали в качестве концертмейстеров. Их вклад в практику ансамблевого исполнитества повлиял на развитие концертмейстерского искусства. Творчество С.В. Рахманинова, С.Т. Рихтера, К.Н. Игумнова, А.Б. Гольденвейзера оказало влияние на различные аспекты концертмейстерского исполнительства: расширение функций концертмейстера; значимость фигуры концертмейстера в интерпретации произведений;расширение педагогической функции концертмейстера в ансамбле;формирование методического наследия, разработанного на основе собственной концертмейстерской практики.

DOI: 10.7256/2453-613X.2023.3.43730

Аннотация: XIX век подарил миру множество талантливых оперных певцов, каждый из которых обладал своей артистической харизмой и уникальным стилем вокального исполнения. Одним из таких певцов был бас-баритон Антонио Тамбурини – мастер интерпретации партий Джоаккино Россини, Винченцо Беллини, Гаэтано Доницетти, Саверио Меркаданте, Джованни Паччини, Карло Коччи и Вольфганга Амадея Моцарта. Предметом исследования является творчество оперного баритона начала XIX века Антонио Тамбурини. Объектом исследования выступают оперные партии, исполненные Тамбурини за годы работы в театрах. В статье делается упор на первоисточники: творческую биографию певца, описанную музыкальным критиком XIX века Кастилем-Блазом, отзывы современников о сценических выступлениях Антонио Тамбурини. В работе преобладают исторический и теоретический методы исследования. Актуальность исследования обусловлена ролью Антонио Тамбурини в становлении и развитии баритонового амплуа в начале XIX века, а также недостатком изученности процессов, произошедших в оперном искусстве в эпоху раннего романтизма. Этот период освещен в музыковедческих трудах О.В. Жестковой, Л.А. Садыковой, И.П. Драч, Е.А. Рубахи, А.Е. Хоффманн, С.В. Решетниковой, Дж. Поттера, А. Якобсхагена, Дж. Старка, однако упомянутые работы посвящены в основном изучению оперного исполнительства теноров и сопрано. Период зарождения баритонового исполнительства в них не рассматривался и творчество Антонио Тамбурини осталось неизученным, что говорит о несомненной новизне работы. Основным выводом работы является выявление основных аспектов исполнительского стиля Антонио Тамбурини и раскрытие секрета его уникальности.

DOI: 10.7256/2453-613X.2023.1.39731

Аннотация: Объектом исследования является Соната для альта и фортепиано ор. 147 Дмитрия Дмитриевича Шостаковича — произведение, которое по праву считается автобиографическим и прощальным. Предметом исследования стала специфика тембрального воплощения образно-эмоциональной сферы сочинения. В предложенном прочтении первая часть сонаты представляет собой образ мира, которому композитор посылает прощальный взгляд, вторая — саркастическую зарисовку ярких собирательных образов пороков человечества, финал — проникновение за грань реальности. Автор статьи подробно, ссылаясь на конкретные нотные примеры, приведённые в тексте, рассматривает применённые композитором специфические инструментальные приёмы, позволившие воплотить мистическую концепцию сонаты. Новизна исследования заключается в выявлении трёх основных образных линий сочинения: вечность, голос души и мир, которым соответствуют разные тембральные характеристики альта, получившие своё определения благодаря применению специфических выразительных приёмов. Вечность — бесстрастное звучание альта, которому присуща некоторая запрограммированность, неумолимость: аллюзия на «стук судьбы», монотонные фигурации, длинные двойные ноты в нижнем участке диапазона. Голос души — отрешённость, тёмная, сумрачная окраска звучания: мелодика, лишенная «красивых» интонаций, сентиментальных опеваний, «бетховенские» триоли в новом преломлении, выступающие как олицетворение потустороннего. Мир — надрывное и резкое звучание и карикатурно-саркастические краски: глиссандо с выходом на флажолет, короткие едкие форшлаги, преувеличенно острое staccato, восходящие параллельные кварты шестнадцатыми, иллюстрирующие истерический взрыв хохота. Основные образные пространства сосуществуют на протяжении всего сочинения, впервые представляя в сонатном жанре новую специфическую характеристику альта, многогранно трактующую мир ирреальных образов. Соната Шостаковича определяется как отправная точка формирования ведущего образного направления альтового репертуара последней трети ХХ века, закрепившего за альтом роль проводника в мир запредельного — своеобразного Вергилия.

DOI: 10.7256/2453-613X.2020.1.31758

Аннотация: Статья посвящается проблеме сохранения хореографической культуры острова Кипр как определяющего фактора возрождения национального достоинства. Участие в культурно-образовательных и научных программах ЮНЕСКО стало поворотным моментом в деле сохранения и развития нематериального культурного наследия острова. Отмечается финансовая поддержка фольклорных групп и хореографических проектов со стороны правительства. Особое внимание уделяется технологии «Motion Capture», характеризуются ее разновидности. Имеющееся разнообразие маркерных технологий представлено в статье в виде системы, где группы различаются по способу передачи танцевального движения. Опираясь на материалы авторских многолетних экспедиционных исследований, акцентируется возможность соединения цифровых технологий с фольклорной традицией. Впервые на русском языке освещаются материалы восьмилетней работы Лаборатории виртуальной реальности Университета Кипра, полученные в ходе интервьюирования ее руководителя. Разработанная Университетом Кипра 3D-видеоигра выступает посредником для разучивания, отработки движений кипрских фольклорных танцев, выработки индивидуальной манеры исполнения с помощью механизма обратной связи от программы. Сделан вывод о том, что феномен «Motion Capture» обладает мощным ресурсным потенциалом для фиксации хореографического текста, оцифровки фольклорных танцев и их популяризации в разных возрастных группах греко-киприотов.

DOI: 10.7256/2453-613X.2018.1.25575

Abstract: The article describes Manuel Patricio Rodríguez García’s pedagogical activity focusing on his theoretical work Traité complet de l’art du chant which evoked continuous debates among singers and vocal teachers. The researcher analyzes and substantiates the difference between the editions of 1840-1847 and 1856. Actually, García recommended different types of respiration in the treatise of 1840-1847 and 1856, and the researcher tries to understand his motives. The research methodology involves the analysis of musical and pedagogical problems, the cultural-historical analysis, the comparative analysis. In the middle of the XIX century vocal pedagogics developed according to the performing practice and new esthetic requirements of the Romanticism epoch, that’s why the author of the treatise Manuel García the Junior developed his previous work in 1856 and recommended singers to use diaphragmal respiration instead of the clavicular one described in 1840-1847. The author concludes that García’s alleged “mistake” can be explained by the necessity to consider new tendencies in the development of vocal art. The study proposes a non-traditional approach to Manuel García’s pedagogical heritage, such an approach may be of interest for musicologists, singers, vocal teachers.

DOI: 10.7256/2453-613X.2022.3.37842

Аннотация: Предметом исследования является влияние французского лирического романса на камерно-вокальную лирику П. Чайковского и значение его на становление отечественного исполнительства середины XIX века. В лирических романсах П. Чайковского и в цикле ор.65 изучаются их общие черты и национальное отличие. Выявляется значение камерной вокальной музыки П. Чайковского на становление оперно-камерного певца. В статье использованы методы комплексного и сравнительного анализа, что создаёт предпосылки для достаточно объективного вывода о гармоничном претворении французских черт в композиторском творчестве П. Чайковского и их утверждение в исполнительском искусстве, что является авторским вкладом в постановку и решение проблемы в новом ракурсе. Впервые рассматривается анализ предпосылок для создания П. Чайковским лирических романсов, навеянных Францией эпохи лирической оперы и появления оперно-камерного певца как результат влияния французского лирического романса на камерно-вокальное творчество П. Чайковского. Научная новизна заключается в комплексном подходе изучения проблемы влияния французского лирического романса на особенности и своеобразие камерной лирики П. Чайковского и отечественной камерно-вокальной культуры второй половины XIX века. В результате исследования предлагается целесообразный подход исполнителей к выбору выразительных средств, основанных на знании генезиса лирических романсов П. Чайковского. Актуальность избранной темы обусловлена тем, что лирические романсы и романсы ор. 65 на тексты французских поэтов П. Чайковского до настоящего времени являются самыми репертуарными как в концертных программах певцов, так и в педагогическом репертуаре студентов музыкальных учебных заведений. Практическая значимость состоит в том, что профессиональные камерные исполнители в их концертной деятельности и педагоги музыкальных учебных заведений в практической работе со студентами обязаны со знанием стиля и генезиса подходить к выбору выразительных средств.

DOI: 10.7256/2453-613X.2019.4.30682

Аннотация: Объектом исследования является традиция проведения в Саратове конкурсов исполнителей на русских народных инструментах, посвященных творчеству одного из первых отечественных баянистов - И.Я. Паницкого. Анализируется исторический контекст появления конкурсов, их значение для культурной жизни Поволжского региона и музыкальной жизни Саратова. Отдельное внимание уделено рассмотрению музыкально-исполнительских конкурсов как одного из наиболее востребованных видов современных художественных практик, способствующих ранней профессионализации молодых музыкантов и развитию творческих способностей учащихся на различных этапах обучения. В анализе используются исторический и культурологический подходы, в основе которых систематизация фактов и их оценка с точки зрения развития региональной музыкальной культуры. Конкурсы, посвященные творчеству И.Я. Паницкого, представляют собой яркое и самобытное явление музыкальной культуры Саратова и Поволжского региона, выступают как важнейший фактор сохранения русского национального академического искусства. Анализ показал наличие в Саратове глубоко укоренившихся традиций народно-инструментального искусства и их высокий профессиональный статус.

DOI: 10.7256/2453-613X.2019.2.29630

Аннотация: Предметной областью данной статьи является танцевальный перформанс и особенности его художественной коммуникации. Перформанс предполагает прежде всего отсутсвие ролей у исполнителей, они представляют самих себя, а в случае с танцевальным перформансом - их жесты и движения не имеют подтекста. Перформативная эстетика предполагает наличие трансформативного заряда зрительского восприятия. Перформативный поворот описан театральным теоретиком Э. Фишер-Лихтер как проявление необычного в узнаваемом. Исследование нацелено на выявление перформативных характеристик, дихотомии действительного и художественного, в танцевальных перформансах московских танцевальных художников. Для искусствоведческого анализа выбраны соло А. Андрианова "Танц-Танц-Транц" и "Красный квадрат" проекта Т. Бурнашева как примеры танцевального перформанса, в котором исполнители представляют самих себя. Применение метода феноменологической редукции позволило выявить потенциал для трансформации опыта зрительского переживания повседневности в работах Андрея Андрианова и Тараса Бурнашева (созданного в соавторстве с Е. Калюжной, Д. Волковым, М. Орловой). Художественная коммуникация в танцевальном перформансе остается малоизученной областью. Выводы статьи могут быть использованы для формирования критериев в искусствоведческом анализе танцперформансов.

DOI: 10.7256/2453-613X.2019.3.29392

Аннотация: Предметом исследования является вариационный цикл (концерт) Эндрю Ллойда-Уэббера «Вариации на тему Паганини» для виолончели с рок-группой (или оркестром). Отмечается высокое профессиональное мастерство композитора, тонкость в претворении стилистического диалога, изысканность комбинаторики тематического зерна, богатый тембровый ракурс её разработки. В тексте говорится об органике существования стилистических данностей. Указывается на связь определённых моментов музыкального действия с аналогичными точками формообразования в «Рапсодии на тему Паганини» С. В. Рахманинова. Выявляется ряд мини-циклов, присутствующих в произведении. Произведение исследуется методом целостного анализа. Также в аналитическом контенте присутствует момент описательности, необходимый для создания впечатления о произведении, не часто звучащем в концертных залах. Новизна исследования заключается в уникальности его темы. Таким образом, всё содержание исследования представляется уникальным. В результате исследования сделаны следующие выводы: «Вариации на тему Паганини» для виолончели и рок-группы (оркестра) представляют собой яркое концертное произведение, отмеченное уникальностью композиторского языка, высоким профессионализмом в претворении стилевого диалога, изысканностью комбинаторики в разработке тематического зерна, подчас отличающейся парадоксальным и непредсказуемым прочтением темы, органикой стилистического диалога академической музыкальной культуры и рока.; В этом произведении мы слышим одно из самых ярких свидетельств происходящей в это время культурной глобализации, часто превращающуюся в произведениях той эпохи в часть стиля.

DOI: 10.7256/2453-613X.2021.2.35455

Аннотация: Объектом исследования стало исполнительское искусство известного саратовского музыканта Анатолия Катца (1936-2017), который являлся одним из ярчайших представителей не только фортепианного искусства Саратова, но и всей музыкальной культуры региона. Предметом исследования является театрально-игровой аспект интерпретации А. Катца, который рассмотрен на материале цикла Р. Шумана «Пестрые листки», op. 99. Цель статьи – раскрыть приемы музыкально-игровой театрализации в интерпретаторском искусстве А. Катца. В статье анализируются значение театрально-игрового компонента в исполнительской деятельности саратовского пианиста, его отношение к процессу интерпретации и игре как особом типе творческого мышления. Автор обращается к историко-искусствоведческому, культурологическому и компаративистскому методам, которые позволяют выявить предпосылки формирования исполнительского стиля А. Катца, его взгляды на интерпретацию и механизмы сотворчества композитора и исполнителя. Для сравнительного анализа привлечены записи цикла «Пестрые листки» Р. Шумана, сделанные другими известными пианистами: В. Ашкенази, В. Софроницким, С. Рихтером. Научная новизна исследования состоит в том, что впервые предпринимается попытка научного осмысления интерпретаторского искусства А. Катцем на материале музыки Р. Шумана. Исследование показало, что театрально-игровой аспект во многом определяет направление творческих поисков А. Катца, заметно отличает его исполнение от других аналогичных интерпретаций. Характерной чертой Катца-интерпретатора становится установка на сотворчество с композитором, поиск индивидуальной трактовки, переосмысление оригинала. Следствием этого становится «режиссерский» подход в выстраивании цикла, усиление контраста между частями, а также внутри каждой из них, фантазийность, персонификация образов, активное использование агогики и как следствие – особенно пристальное внимание к отдельным деталям фактуры.

DOI: 10.7256/2453-613X.2019.2.29648

Аннотация: Предметом исследования статьи является творчество одного из самых загадочных композиторов XIX века Шарля-Валантена Алькана. Краткое изложение биографических сведений дано с целью ответа на вопрос о причинах исчезновения Алькана с горизонта музыкального романтизма, несмотря на неоспоримые факты сотворчества великих гениев романтизма: Шопена, Листа, Алькана, Рубинштейна и др. На примере цикла «Двенадцать этюдов в минорных тональностях» ор. 39 представлен уникальный стиль Алькана, выкристаллизованный в сотворчестве с композиторами предшествующих эпох и современниками. Почти полное отсутствие отечественных исследований обусловило обращение к зарубежным работам, с анализа позиций которых производились оценки творческого наследия Алькана. Предпринята попытка расшифровки смыслового «кода Алькана» на примере Этюда № 12 ор. 39 «Пир Эзопа», ключ к которому уже более полувека подбирают выдающиеся виртуозы-исполнители, позиционирующие смыслы своих интерпретаций. Сделаны выводы о давно назревшей необходимости серьезных исследованиях творчества Алькана в отечественном музыкознании.

DOI: 10.7256/2453-613X.2020.4.32769

Аннотация: Объектом данного исследования является отечественное репертуарное наследие, включающее сочинения для альта композиторов ХХ столетия.Рассмотрение сочинений производится с позиции непосредственного влияния на их появление ярчайших представителей отечественной альтовой школы В. В. Борисовского, Ф. С. Дружинина и Ю. А. Башмета. За основу анализа взяты произведения, посвященные В. В. Борисовскому (Соната для альта и фортепиано В. Крюкова и С. Василенко, «Песни об умерших» и Рапсодия для альта и фортепиано А. Веприка, Сюита для альта и фортепиано В. Гайгеровой) и Ю. А. Башмету (литургия для большого оркестра и солирующего альта «Оплаканный ветром» и «Стикс» для альта, хора и оркестра Г. Канчели), а также произведения, сочиненные Ф. С. Дружининым (Соната для альта соло и Вариации для альта соло). Рассмотрение произведено с позиции исполнительского влияния на интерес композиторов к сольному воплощению альта и его поэтапному развитию. Определено понятие герой-исполнитель, соответствующее образу альтиста ХХ столетия. Обозначены новые черты сольного альтового репертуара, как результат деятельности отмеченных альтистов: признание уникальности альтового голоса, утверждение альта как яркого концертного инструмента, расширение используемого диапазона альта, выявление мистической составляющей альтового тембра, определение уникальной обобщающей способности альтового тембра, полная техническая раскрепощённость инструмента, необходимость соавторского мышления исполнителя.

DOI: 10.7256/2453-613X.2020.4.33070

Аннотация: Предметом исследования является: Мироощущение Бетховена позднего периода – актуальная для музыканта-исполнителя тема: без осознания принципиальных изменений в его стиле немыслима полноценная интерпретация поздних фортепианных Сонат. Последняя из них – Соната op. 111 c-moll уже почти два века является объектом неутихающих дискуссий не только в кругу музыкантов, но и писателей. Объектом исследования является: В Сонате ор. 111 мы выделяем следующие типы диалога: а) диалог с раннее созданными сочинениями Бетховена; б) диалог – в рамках позднего периода – с Девятой Симфонией оp. 125 и Торжественной мессой ор. 123; в) диалог с музыкой предшественников; г) воображаемый диалог Бетховена с Гёте (периода окончания "Фауста"); д) диалог ор. 111 с мировой культурой. Основными выводами статьи является: В то время, как зарождение понятия интерпретации обычно связывают с исполнительской деятельностью романтиков - Паганини и Листа, мы обнаруживаем Основные предпосылки феномена интерпретации как системы мышления уже в сочинениях и воззрениях Бетховена – он является предтечей романтиков XIX века. Каждое его сочинение индивидуализировано, здесь нет шаблонов, типовых штампов. Исполнение его сочинений вне концепции не способно адекватно передать дух музыки Бетховена. При всей строгости архитектоники сочинения Бетховена апеллирует к спонтанности самовыражения – пианист, как актер, должен проживать эту музы¬ку «здесь и сейчас». Ключевые слова: Бетховен, позднее творчество, Соната ор.111, метод интеграции кон-цепции интерпретации.

DOI: 10.7256/2453-613X.2019.5.30825

Аннотация: Предметом данного исследования являются особенности исполнения Шестой фортепианной сонаты С. С. Прокофьева. Это сочинение входит в «военную» фортепианную триаду и отражает существенные черты позднего периода творчества композитора. Особое место в работе уделено вопросу о характере исполнительской интерпретации, требующей активного, творческого соучастия исполнителя в воссоздании авторского замысла. Подчёркивается необходимость проникновения в смысловые слои исполняемого произведения, способствующего углублению существующих представлений, переосмыслению жизни и творчества С. С. Прокофьева. Исполнительский анализ осуществлён с позиций музыкально-теоретического, феноменологического и герменевтического подходов, разрабатываемых в работах Л. О. Акопяна, З. В. Фоминой. В результате осуществлённого исследования выявляются особенности индивидуального творческого почерка Прокофьева. Показана способность подлинного художественного гения выходить за пределы социально-исторических и культурных обусловленностей и выражать в своем творчестве надвременные, вечные смыслы. Осуществлённый анализ Шестой сонаты в контексте позднего творчества Прокофьева обнаруживает существенную эволюцию его фортепианного стиля, свидетельствуя о духовных, мировоззренческих поисках композитора.